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III Premio Valle-Inclán

Dotado con 50.000 euros, se falla el 16 de marzo

 | 06/03/2009 |  Edición impresa


Los finalistas del III Premio Valle-Inclán de Teatro

La tercera edición del premio Valle-Inclán de Teatro calienta motores. El próximo 16 de marzo, a Juan Echanove y Angélica Liddell, ganadores de las anteriores, se añadirá uno de los doce ilustres nombres de la escena que destacaron el pasado año. Como ya marca la tradición, en el transcurso de una gala en Madrid, en el Teatro Real, se fallará el que ya es el gran premio del teatro español con una dotación de 50.000 euros. Patrocinado por la Fundación Feima y convocado por El Cultural de El Mundo, está avalado por un jurado riguroso e independiente que preside el dramaturgo Francisco Nieva. Los nombres que protagonizarán la emocionante votación de este año son los directores Angel Facio, Mariano de Paco, Pérez de la Fuente, Àlex Rigola y Ana Zamora, los autores Javier Daulte, Juan Mayorga y Paloma Pedrero y las actrices Carmen Machi, Vicky Peña, Aitana Sánchez-Gijón y Maribel Verdú.


Javier Daulte
Autor y director de Nunca estuviste tan adorable


“Traducir a mi familia argentina para España fue un regalo para mi”

Daulte (Buenos Aires, 1963) pertenece a la generación de dramaturgos argentinos nacidos en la década de los 60 que, como Rafael Spregelburd o Alejandro Tantanian, han contribuido a renovar la escena rioplantense. Es un autor muy prolífico, con más de treinta obras, que habitualmente él mismo dirige. Su escritura es ágil y original en el planteamiento de los argumentos y en su estilo, que tiende a mezclar géneros. Hace más de un lustro estrenó en Madrid Criminal y poco después La escala humana, un divertido y audaz drama familiar en clave policíaca escrito con otros autores argentinos. Pero ha sido en Barcelona donde ha estrenado con asiduidad y donde, desde hace tres temporadas, dirige la sala Villarroel.
El carácter biográfico de Nunca estuviste tan adorable hace que sea una de sus obras más queridas. “Nació como un proyecto del Teatro San Martín de Buenos Aires, llamado Biodrama, donde diferentes autores y directores trabajaban sobre personas vivas. Yo elegí a la familia de mi madre, colocando a Blanca, mi abuela, como figura central”. Cuando el CDN le pidió un proyecto, pensó que Nunca estuviste... era el más adecuado, aunque ya lo hubiera montado antes en Buenos Aires. “Así que me embarqué en la extraña tarea de “traducir” a mi familia argentina para España. Eso ya fue un regalo para mí”.
El director tuvo el acierto de escoger a Anabel Alonso para interpretar a Blanca, un personaje que se enfrenta al paso del tiempo en el transcurso de toda la obra y en la que luce un vestuario fastuoso. “Cuando la conocí me sorprendió encontrar similitudes entre ella y Blanca, no sólo en el carácter, sino hasta en lo físico. Ella misma encontró parecido cuando le mostré una foto de mi abuela”.

Ángel Facio
Director de Los cuernos de don Friolera


“Yo creo que el esperpento es apenas un sainete violento, imaginado no al calor del brasero, pero sí al calor de un litro de Valdepeñas”

Fue profesor universitario de Políticas en los 60, cerebro de Los Goliardos en los 70, director emigrado en los 80 y pedagogo teatral en los 90. ángel Facio (Madrid, 1938) volvió a Madrid como asesor literario del Español por obra y gracia de Mario Gas. Desde entonces ha dirigido en este teatro dos obras de Valle, y Los cuernos de don Friolera hizo realidad un viejo sueño: “Yo intenté montar Los cuernos... en 1959, en el TEU de Políticas, y después la he intentado montar otras doce veces más. A la catorce va la vencida. He visto bastantes versiones y no me ha gustado ninguna. En mi opinión, cuando estos cuernos se han acercado a un escenario, siempre los han afeitado”. Su versión, de la que también es autor, incluye el prólogo y epílogo (que habitualmente no se representa) en el que Valle desliza las bases teóricas del “esperpento canónico”. Facio añade un romance de ciegos que simboliza a la literatura oficial. “Todo esperpento se ha resuelto siempre escénicamente como una farsa parroquial cargada de ñoñería, sin el menor asomo de amargura o de mala leche. Yo creo que el esperpento es apenas un sainete violento, imaginado no al calor del brasero, pero sí al calor de un litro de Valdepeñas y bajo la saludable influencia de una pipa de kif”. Con este planteamiento, al director sólo le restó acertar con unos actores que“están para ser devorados, no hay ninguno irregular”. Un elenco encabezado por Rafael Núñez, Teté Delgado y Nancho Novo, entre otros.

Carmen Machi
Actriz protagonista de La tortuga de Darwin


“No fue fácil hacer de tortuga, que es un animal muy poco teatral, y encima de 200 años, lo que me limitaba mucho los movimientos”

Popular gracias a la televisión, a la serie Aida, lo cierto es que Carmen Machi (Getafe, 1963) es una actriz forjada en el teatro desde los 17 años. Esta madrileña formó parte del elenco fundacional del Teatro de La Abadía (participó en obras como Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte o Rey Lear), ha colaborado en la compañía de Ernesto Caballero, y su más reciente trabajo en la reposición de Auto. Fue durante los ensayos de esta última donde surgió la posibilidad de hacer La tortuga de Darwin. “Caballero me preguntó si me interesaba hacer un texto de Mayorga, no sabía qué obra, pero a mí me daba igual si el texto era de Juan y estaba Ernesto”. Explica la actriz que su personaje es complejo. “No tiene un referente real al que agarrarse, la tortuga es un animal muy poco teatral, y encima tiene 200 años, lo que limitaba mucho sus movimientos”. El riesgo era “caer en el drama, mi personaje debe producir ternura, pero no drama”.

Juan Mayorga
Autor de La paz perpetua


“El Ser Humano de La paz... no es un sádico ni un cínico ni un imbécil, sino un hombre inteligente que cree que hay razones morales para practicar la tortura en situaciones excepcionales”

Desde que ganó hace diez años el premio Born de Teatro con Cartas de amor a Stalin, una obra de tesis sobre la actitud contumaz a que conducen las ideologías totalitarias, la carrera de Juan Mayorga (Madrid, 1965) ha experimentado un éxito progresivo, acreditado por numerosos premios, estrenos y traducciones. Ha destacado por su teatro de ideas, con obras como Camino del cielo o la ya citada, también ha cultivado la comedia (El Gordo y el Flaco, La tortuga de Darwin) e incluso la parodia (La boda de Alejandro y Ana). La paz perpetua fue un encargo del CDN: “Poco después del 11-M, Gerardo Vera me desafió a escribir sobre el terrorismo. Durante meses busqué una vía teatral... Finalmente la obra no trata tanto de terrorismo como de lo que sus enemigos podemos o no podemos hacer para combatirlo”. Su escritura no fue fácil, el personaje del Ser Humano, que defiende la tortura como mal necesario, le costó lo suyo: “Mi misión es defender a cada personaje, por distante que me sienta de él. Y éste no es un sádico ni un cínico ni un imbécil, sino un hombre inteligente que cree que hay razones morales para practicar la tortura en situaciones excepcionales”. La puesta en escena, dirigida por José Luis Gómez y con un reparto de lujo, fue para el autor “un regalo impagable”. Pero él no ha dejado de revisar el texto: “Jamás quedo satisfecho con mis textos”.

Mariano de Paco
Director de La fierecilla domada


“La versión del texto recupera momentos escritos y nunca representados”

L a carrera de Mariano de Paco Serrano (Murcia, 1972) ha fondeado en la dirección de escena, que es a lo que realmente aspiraba, después de haber desempeñado otros oficios teatrales a lo largo de su larga trayectoria artística. Desde hace unos años su nombre ha sonado en los ambientes alternativos (Danny y Roberta: una danza apache, de John Patrick, 11 miradas), aunque en 2008 destacó por ocuparse de títulos clásicos como esta Fierecilla domada, cuya versión firma su hermana Diana de Paco, La señorita de Trevélez o En la ardiente oscuridad. Uno de los motivos que impulsaron a De Paco a dirigir esta obra fue “lo poco representada que ha sido en nuestros escenarios”. Su montaje “recupera momentos escritos y nunca representados del texto”.

Paloma Pedrero
Autora y directora de Caídos del cielo


“Quería hablar de la dignidad de los perdedores y desmontar prejuicios”

Paloma Pedrero (Madrid, 1958) irrumpió en la escena hace más de veinte años con La llamada de Lauren, una de sus piezas más solicitadas por grupos y compañías, en la que aborda la identidad sexual, y a ésta han seguido una treintena de textos, entre las que destaca su teatro breve (Beso a beso, Juego de noches. Nueve obras en un acto). Se interesa por los grandes temas que preocupan al hombre, en un estilo que se mueve en el realismo poético de ambiente urbano. También actriz, directora y profesora de dramaturgia e interpretación, lleva más de ocho años organizando talleres de teatro para personas sin hogar. “Entre ellos hay artistas, gente que no ha encontrado el lugar que le corresponde”. Fruto de esta labor, surgió el texto y la puesta en escena de Caídos del cielo. “Quería hablar sobre cómo personas muy valiosas caen en pozos de marginación, quería contar sus experiencias y dar mi visión. Desmontar prejuicios. Quería hablar de la dignidad de los perdedores”. Contó con los “sin techo” para la puesta en escena, que dirigió ella misma porque “creo que sólo yo podía hacer esto. Les conozco profundamente y tengo su confianza”. Y no fue fácil: “Los sin hogar han puesto su cuerpo y su alma en el empeño, demostrando que la autenticidad es un elemento primordial en el arte”.

Vicky Peña
Actriz de Sweeney Todd


“No hubiera soportado que otra actriz hubiera protagonizado el papel de Ms. Lovett”

Vicky Peña (Barcelona, 1954) estaba predestinada a las tablas. Pertenece a una saga de artistas de Cataluña (sus padres son Luis Peña y Montserrat Carulla) y ha demostrado sus cualidades interpretativas en papeles memorables (La reina de belleza de Leenane, Homebody/Kabul). En 1995 protagonizó el musical de Sondheim, Sweeney Todd, dirigido por Mario Gas y estrenado en Barcelona. El pasado año Gas rescató aquella producción, con los mismos decorados y casi el mismo reparto, y la reestrenó en el Español de Madrid. Vicky volvió a su personaje de Ms. Lovett. Y menos mal, dice, “no hubiera soportado que Mario hubiera elegido a otra actriz estando yo disponible. Me encanta Ms. Lovett, es un personaje con muchos resortes”. Sobre ella descansa gran parte del musical, lo que le exige “una gran atención y concentración. Vocalmente, tiene una partitura muy grande, con momentos comprometidos, y exige una gran resistencia física”.

Pérez de la Fuente
Director de Puerta del Sol


“La mayor dificultad fue narrar, con 39 actores, la tragedia española de miles de hombres: pueblo, gobernantes, ejército español y francés...”

Desde que Juan Carlos Pérez de la Fuente (Talamanca del Jarama, Madrid, 1959) dejó la dirección del CDN para fundar su productora, se ha mantenido fiel a la dramaturgia española, tanto clásica como actual. En 2008 se enfrentó “a uno de los montajes más ambiciosos de mi vida”. Puerta del Sol fue un encargo de la Fundación Dos de Mayo Nación y Libertad que le permitió adaptar a la escena el tercero de los Episodios Nacionales de Galdós. Hizo un complejo espectáculo, con 39 actores y una gran tramoya. “Era consciente de los muchos conflictos y peligros que tenía que lidiar, pero tuve muy claro qué iba a contar y cómo. Quizá la mayor dificultad fue encontrar la forma de narrar con 39 actores aquella tragedia española de miles de hombres y mujeres, pueblo, gobernantes, ejército español, ejército francés”.

Àlex Rigola
Director de 2666


“Siempre he buscado y sigo buscando historias que recuerden conflictos actuales que aún no hemos solucionado. Como los crímenes de Juárez”

Si algo caracteriza la práctica del director del Lliure, Àlex Rigola (Barcelona, 1969), es su interés por hacer teatro contemporáneo en el sentido de reflejar los asuntos que preocupan a la sociedad actual. Bajo este enfoque ha llevado a escena clásicos (Titus Andronic, Julio César, Ricard 3rd) y textos actuales como la novela póstuma de Roberto Bolaño, 2666, sobre los crímenes de género de Ciudad Juárez. él llevaba tiempo intentando hacer un espectáculo al estilo de The Seven Streams of the River Ota, de Robert Lepage, uno de sus favoritos, de ocho horas de duración. Rigola buscaba “un espectáculo que permitiese contar mil historias en una sola, con diferentes sistemas de narración que acabaran constituyendo un festín escénico donde se pudiera combinar poesía escénica con literatura. Siempre quise intentarlo sabiendo que estaba muy lejos del maestro”. Y para ello buscaba también un texto que “fuera una aventura épica a través de la literatura, el actor y el espacio escénico. Y sobre todo buscaba un texto que contara lo mismo que todas las historias y espectáculos que nos atrapan. Que contara cómo somos los seres humanos. Esa es la base principal por la cual nos gustan las historias. Para aprender más del ser humano...Y mientras buscaba, entre texto y texto, Manolo me recomendó 2666, recién salida del horno”. Tardaría sólo un año en adaptarla.

Aitana Sánchez-Gijón
Actriz de Un dios salvaje


“Me preguntaba si sería capaz de enfrentarme a un papel cómico, pues he hecho pocos”

Forjada en el teatro, en la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Marsillach, Sánchez Gijón (Roma, 1968) compaginó siempre las tablas con el cine. En los últimos años ha protagonizado varios espectáculos con Vargas Llosa, pero no ha sido hasta Un dios salvaje cuando la hemos vuelto a ver en un personaje dramático. Fue Maribel Verdú quien la llamó entusiasmada desde París, después de haber visto la obra de Yasmina Reza. “Teníamos muchas ganas de trabajar juntas; al leerla supe que tenía todos los ingredientes para enganchar”. Revela que los ensayos fueron amables, “quizá sentía cierta inseguridad por saber si sería eficaz haciendo comedia, he hecho poca y menos en teatro”. Y confiesa que lo que más le divierte de su personaje “es que evoluciona, pasa de ser una mujer civilizada a la más salvaje de todos...”

Maribel Verdú
Actriz de Un dios salvaje


“Supe que éste era el texto para volver al teatro”

El 2008 ha sido un año que Maribel Verdú (Madrid, 1970) grabará en su memoria, pues ha recibido numerosos premios, entre ellos el Goya. El reconocimiento llega tras 25 años de carrera, empezó con tan sólo trece años haciendo publicidad y cine. En el teatro debutó en 1986 y a partir del año 2000 lo ha visitado con continuidad. Ella es la verdadera impulsora de Un dios salvaje: “Vi la función y supe que era el texto para volver al teatro. Todo ha fluido desde entonces. Y da tanta felicidad ver cómo el público responde”.

Ana Zamora
Directora de Auto de los Reyes Magos


“Conseguimos dar con un lenguaje simbólico para trascender la anécdota de los Reyes Magos”

Formada en la Resad, Ana Zamora (Madrid, 1975) fundó en 2001 su compañía Nao D'amores, dedicada a escenificar el teatro prebarroco. El año pasado estrenó el que se considera el texto fundacional de la dramaturgia en castellano: Auto de los Reyes Magos. “No fue fácil encontrar una vía dramatúrgica que permitiese convertir el auto de 147 versos en un espectáculo construido dentro de los parámetros de la teatralidad moderna”. Y lo consiguieron: “Dimos con un lenguaje simbólico, que nos permite, sin perder el carácter lúdico de la representación, trascender la anécdota de los Reyes Magos para hablar de la Historia de la Humanidad”.




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